Entrevista a Javier Echevarría

Entrevista a Javier Echevarría

Por: Raúl Olivares

Javier Jesús Echevarría Escribens. Reconocido actor, psicólogo y jefe de su propia empresa de consultoría. Ha trabajado en más de una veintena de obras por veinte años como actor, director, narrador y conductor de televisión, tanto en obras teatrales como programas televisivos. Es psicólogo egresado la Pontificia Universidad Católica del Perú; actualmente está terminando una maestría en terapias por medio del arte. Su empresa, Javier Echevarría Consultores, ofrece servicios psicológicos, educativos y coaching tanto para personas y familias como instituciones educativas y empresas mediante la creación de talleres y programas de capacitación. Su última obra teatral, Kafka y la Muñeca Viajera, donde interpretó al protagonista, se estrenó el 7 de octubre en el Centro Cultural El Olivar. En ella, se narra la historia del escritor y su peculiar encuentro con una pequeña niña en el parque Steglitz en Berlín de 1922, un año antes de su muerte.

Raúl: Entrevista a Javier Echevarría. Día: 13 de noviembre del 2010. Locación: Starbucks del Óvalo Monitor Huáscar. Buenas tardes… ¡Don Javier Echevarría Escribens!

Javier: Ja, ja, ja. Hola, Raúl.

R: Comenzaremos con una pregunta básica. ¿Cuál fue tu primer papel como actor profesional?

J: Hice de Hepatitis en la obra de teatro ‘Dios’ de Woody Allen en setiembre del año 90. Hace 20 años.

R: Hace 20 años…

J: Había hecho obras anteriores pero eran a nivel universitario o colegial. Ésta fue la primera obra que el público pagó.

R: ¿Y eso fue lo que te dio tu puntapié a la actuación?

J: No. No. Terminé eso y Roberto Ángeles me llamó para su taller de formación profesional e hicimos ‘Romeo y Julieta’ y creo que eso fue el puntapié. O sea, ‘Dios’ me hizo entrar al taller de Roberto y el taller de Roberto fue el inicio.

R: ¿A quién interpretaste en la obra Romeo y Julieta?

J: De Romeo. Cuando era joven…

R: No hay problema. Sigues siendo joven.

J: Bueno. Ya no puedo hacer de Romeo. ¡Ahora sí estoy bien para hacer del papá de Romeo!

R: Entre actor de televisión, de películas o de teatro, ¿qué prefieres tú por encima de todo?

J: Ehh… Depende mucho. O sea, el teatro me gusta bastante. Pero depende mucho del papel, de la tranquilidad. En la televisión el problema es que es muy rápida, demora a veces mucho tiempo y es un poco más pesado. Y cine he hecho poco, pero me encantaría.

R: Peruano, ¿no? Cine peruano.

J: Claro. Lo que pasa es que en el cine es lo más difícil porque ahí son tan pocas las películas y los castings son tan exactos que hasta ahora no he tenido mucha oportunidad.

R: Respecto a tu empresa de consultoría. ¿En qué momento te decidiste a hacerla? ¿Qué te motivó?

J: Cuando regresé de Colombia, porque yo me fui a Colombia para hacer el protagónico de una telenovela y me aburrí. Y ahí cuando regresé me dije que quiero trabajar más como psicólogo y formé mi empresa. Me fui a protagonizar una novela en Colombia para darme cuenta que era más psicólogo.

R: Y en relación a la obra, ¿cómo fue el proceso de personificar a Kafka? Porque se trata de una versión poco conocida. Son sus últimos años de vida; el pobre estaba muriendo de tuberculosis. ¿Cómo fue el proceso de personificarlo?

J: Para mí fue bien difícil porque Kafka es bien diferente a mí. En todo sentido. O sea, yo soy introvertido pero este pata es mucho más. Todo restringido, atormentado. Yo trato de llevar la vida más ligera. Y no sabía bien qué hacer y además que todo el mundo tiene una imagen de Kafka muy específica. Y al principio comencé a informarme, comencé a releer cosas de Kafka hasta que en un momento yo dije “¡ya basta! Voy a concentrarme en la obra y haré la versión de Kafka que está en la obra y ahí no más.” Comenzamos a investigar en la obra, pero en un momento dado me di cuenta que eso me asustaba más, porque sientes que el personaje es demasiado grande y yo no estoy interpretando a Kafka. Estoy interpretando al Kafka de esa obra, que se encuentra en esa situación determinada. Entonces, al final ya me concentré en la obra.

R: ¿Improvisaste, le aportaste algo?

J: Sí, le agregamos muchas cosas. Fue un trabajo de creación creativa. Muy bonito. Patricia Pereyra nos dio esa posibilidad y le metimos muchas cosas.

R: ¿Qué mensaje rescataste de la obra? Porque era una obra tan compleja donde había tantos mensajes.

J: Si, pues… No sé. A mi me gusta este asunto de… yo estoy convencido de que toda ayuda es una autoayuda. Y cuando tú intentas dar la mano a alguien, terminas beneficiándote tú. Siempre creo que cuando uno le da la mano a alguien es un beneficio personal y creo que Kafka en sus últimos días lo descubrió. Creo que vio otro aspecto de la vida. Me da esa impresión. Un proceso de alquimia o de transformación.

R: ¿Sentiste que le faltó algo a la obra? ¿Tuvieron dificultad en algún punto?

J: Yo la hubiera hecho más adulta y le hubiera explorado más su lado oscuro, porque finalmente hay una situación de un límite complejo en esta obra que no se exploró del todo. Digamos, si una niña de diez años con un hombre de cuarenta, nadie lo va aplaudir, porque siempre piensas en las malas intenciones. Kafka no las tuvo pero creo hubiera sido interesante tocar ese límite para que el público este nervioso, sabiendo que va a ocurrir. Y que finalmente no ocurra nada, pero que haya un límite más cuestionable.

R: ¿Qué técnica de actuación sueles emplear en tus trabajos? Especialmente, ¿qué técnica has empleado en esta última?

J: Mira, yo pienso que cada trabajo te impone su técnica y cada uno tiene que adaptarse. Los actores que tienen una técnica y que la imponen al personaje y a la obra, me perece que a veces hay una cosa un poco rígida. Esta vez la forma como trabajó Patricia fue con mucho arte. Hicimos muchas cosas: pintamos, creamos cuentos. Pero esta vez, el trabajo ha sido desde el punto de vista físico, de poder encontrar la fisicalidad de Kafka. La cosa restringida. Muchos ensayos lo hice metido en una caja casi de cuerpo entero que me llegaba hasta la pelvis. Caminaba así… y hablaba con la gente metido en una caja y me daba la sensación de encierro.

R: Para todas las obras que te ofrecen, ¿tú tienes algún criterio de selección para participar?

J: Sí, tengo varios criterios. Por ejemplo en este momento de mi vida, no me interesa tener una carrera de actor. ‘Carrera’ en el sentido de tener metas, objetivos. Mis metas y objetivos y mi carrera están en la psicología y en la conducción. La actuación solamente me guió por el placer, porque me provoca. No pensando que eso me vaya a traer algo. Entonces, a veces mi criterio puede ser la obra, el personaje, el director, el teatro, el grupo de gente. A veces puede ser el nivel de producción. Pueden ser muchas variables. En este caso, fue la obra porque la obra me gustaba y yo sabía que era un teatro pequeño y no muy conocido. Sabía que había un nivel de riesgo pero no me importó porque la obra me provocaba y era el reto.

R: ¿Habías leído anteriormente la obra?

J: No. No conocía nada.

R: Profundizando un poco más en lo que es ser artista… Todos saben que no es fácil ser artista, y menos un artista exitoso. ¿Qué obstáculos tiene que superar el futuro actor o artista hoy en día?

J: Siempre hay un obstáculo. El artista se define justamente por como afronta los obstáculos. Porque el arte puede ser parte de tu vida como un hobby. Si tú quieres dedicarte profesionalmente, es una decisión muy personal donde te vas a enfrentar con muchas cosas. Es bien difícil porque si solamente vives de la actuación, corres el peligro de aceptar una serie de trabajos que no te gustan sólo por sobrevivir;  y si es un hobby, corres el peligro de no dedicarle el suficiente tiempo a la profesión. Es un límite difícil, ¿no? Ahora, actores que solamente vivan de la actuación es bien complicado. Tiene que ser flexible, porque puedes vivir de muchas cosas relacionadas con la actuación. Un actor, por lo menos, trabaja en la televisión, en teatro, enseña actuación, hace locuciones, hace eventos. Hace toda una serie de cosas que te puede ayudar a sobrevivir. No es solamente actuar. Y eso a lo que te enfrentas porque, además, son muchos altibajos, porque encima la actuación siempre te da la necesidad del cambio: puede haber una época de mucho trabajo, y de pronto los productores, los directores y el público se cansan, y te “hacen descansar”. Un año… ¿Y tú de que vives ese año? Debes tener definitivamente una enorme capacidad de ahorro. Y los que no lo han tenido, están en la miseria. Tienes siempre que pensar, planificar.

R: Esta pregunta ya me la habías respondido en otra oportunidad pero vale la pena reiterarlo. ¿Cómo lograste unir tu profesión de psicólogo con la de actor?

J: Los dos tienen en común el ser humano. Para mí se nutren totalmente, todo el tiempo. Siempre estoy rodeado del mismo tema. La única dificultad para combinar las cosas está en función de los tiempos. O sea, es un problema de agenda, no estructural. No es un problema conceptual. A veces, se cruzan los tiempos. Por ejemplo, a mí, por la vida que llevo, me sería muy difícil hacer terapia porque mis horarios son muy cambiantes. Muchos, he conocido, psicólogos que tienen sus horarios establecidos haciendo terapia y en la noche no más ensayan para hacer teatro. Pero sólo hacen teatro, ya no podrían hacer televisión.

R: ¿Crees que en el Perú existen oportunidades para los artistas, tanto económica como profesionalmente?

J: En el Perú, las oportunidades, en general, uno tiene que creárselas. Si uno piensa que va estar sentado y que alguien va a venir a decirte “oye, está es tu oportunidad”, estás… nada que ver. Yo hace muchos años que el 80% o 90% de mi trabajo me lo invento yo, lo genero yo, lo busco yo. Y a veces, me vienen cosas. Y a veces sucede, como ahora que me han llamado después de tiempo para una telenovela durante el verano, que yo no puedo; que podría, pero finalmente no pude porque ya mis horarios se complican porque yo he decidido eso. Y voy a aparecer pero en un personaje chiquitito, pero no podría dedicarme completamente. Hay otras personas que viven esperando que el teléfono suene. Yo no vivo así. Yo me las invento, yo me creo las oportunidades y en el Perú está todo por crearse.

R: ¿Cuál fue el momento más difícil y más estresante de tu carrera? ¿Cuándo estuviste lo más cerca de decir “¡bah, ya no quiero seguir como actor!”?

J: Creo yo que cuando fui protagonista de una novela.

R: ¿En Colombia?

J: Sí. Era increíble porque cuánta gente, pucha, siempre habla pues de que no es un protagonista de una novela internacional de Fox. ¡Una oportunidad tan esperada por tantos! Y yo también siempre decía qué cosa será ser protagonista. Cuando fui, me di cuenta de que era un fastidio, porque eres el primero que llega, el último que se va. Toda tu vida gira alrededor de eso, te explotan de una manera increíble… en todas partes ¿no?, porque sales siempre en todas las escenas. No descansan nunca… Estaba harto. Tanto así que eso lo hice todo el 2007 y en el 2008 ya casi no actué. Hice poquitas cosas (estaba todavía en Colombia), y me la pasé todo el 2008 casi sin actuar. Vine para formar mi empresa. Ya en el 2009 actué en cinco obras de teatro pero fue porque al teatro lo extrañaba.

R: ¿Qué les dirías a los futuros artistas, por ejemplo a actores? ¿Algún consejo, algún tip?

J: El actor tiene… hay un elemento de glamour que es bien peligroso. Hay un elemento superficial que confunde mucho como la televisión, las fotos, las revistas, ‘Oh!’ Eso es un problema, porque el actor verdadero no se define por eso. El actor se define por la capacidad de poder estar en un escenario y comunicarse con el público. Lamentablemente, hay esos elementos; pero hay mucha gente que hace teatro en distintos lugares de Lima y que tiene una actividad constante profesional en Comas, Lima Norte, San Juan de Lurigancho, Villa El Salvador, y son actores. Y enseñan y tratan de hacerlo, y ahí le quitas el glamour. Entras a la realidad, a lo que de verdad es. La actuación no tiene que ver con alfombras rojas. La actuación tiene que ver con las ganas y la vocación por querer interpretar personajes y contar historias tomándote tú como pieza. Querer estar, comunicarse con el público, expresarse a través de eso.

R: Junto al auge del Internet como medio de consumo, (por ejemplo, hay gente que a veces se descargan películas enteras, ven YouTube más que ven televisión, leen blogs como periódicos) ¿tú crees que el teatro pierda lugar al igual que, por ejemplo, muchas corrientes de arte a lo largo de la historia han cedido ante tendencias más modernas?

J: Jamás

R: ¿Jamás? ¿Definitivamente?

J: Jamás. Porque la gente puede estar en un blog o el Internet pero no ha descubierto el teatro. O sea, el teatro tiene un poder que no te lo da nada, porque es en vivo. Es más, el teatro es lo que más se ha adelantado a la época en términos de tecnología porque es interactivo de por sí. Que lo que los jóvenes buscan es eso: esa comunicación ‘online’, al mismo tiempo, interactiva. O sea, ¡lo que tú estás viendo, está ocurriendo ahí! Las personas están ahí en vivo; lo que están sintiendo esas personas, lo estás sintiendo tú. Eso es un acto ritual que jamás va a cambiar. Nada lo reemplaza. Porque todas las otras cosas… hasta cuando comenzó el mismo cine y dijeron que iba a acabar con el teatro, no puede ser. El cine es otra cosa, porque el cine tú lo ves después. El público por ejemplo no es conciente de que ellos hacen la obra. Moldean la obra. Cada vez que un sujeto inoportuno no apaga su celular, está arruinando el producto que ha pagado; el ha malogrado lo que ha comprado, el está estropeando el trabajo. Cada vez que alguien habla o come chizitos, malogran lo que tú estás comprando. Pero el público no es conciente porque están tan acostumbrados a la televisión que creen que hagas lo que hagas, hables o algo, lo que está ocurriendo ahí es independiente de ti, ¡y no es así! El actor está completamente sensible a todo lo que ocurre. Un ruidito, una palabra, un celular, c****n todo. Cambia la figura. Pierde la concentración. Se estropea. Y ese poder del público en vivo, no te lo puede reemplazar nada.

R: Guau…

J: Yo estoy convencido. Es como decir que la música… fíjate lo que pasa con la música. ¿Acaso los CDs, los discos, eliminaron los conciertos? Un concierto es un concierto. Es en vivo. Una obra es una obra.

R: Y es al contrario, porque ahora los artistas necesitan más conciertos.

J: Más conciertos. Claro. Esa es la experiencia de verdad.

R: Llegamos al final de esta entrevista de tres… cuatro largas horas…

J: Ja, ja, ja.

R: …que se han pasado volando. ¿Cómo te proyectas de aquí a futuro? Más o menos a mediano y largo plazo.

J: Me proyecto a que mi empresa siga creciendo. Que la pueda despersonalizar más, porque por ahora me contratan a mí porque la empresa lleva mi nombre. Pero es una cosa que yo sabía que iba a ocurrir en un inicio. Me proyecto teniendo un programa que voy a conducir y… actuar de vez en cuando.

R: ¿Algunas últimas palabras?

J: Bueno, qué les puedo decir… la televisión en general es un encantador de serpientes. Tengan cuidado. La televisión puede ser muy bonita pero también muy engañosa. Las personas que salimos en la televisión no tienen… no tenemos nada especial; lo que pasa es que uno como televidente lo ve como especial. Y que no te veas tentado por eso que uno ve y que cree que es glamoroso y más bien te hagas caso y te veas a ti mismo para encontrar tu vocación. Sé realmente lo que eres.

R: Muchas gracias, Javier.

J: No, gracias a ti, Raúl.

Entrevista a Daniel F

Entrevista a Daniel F

Por: Lucía Calderón y Diego Arévalo

Lucía: Daniel, tú surges como artista en medio de lo que se denominaba (se denomina) "Movida Subte", junto a María Teta, Narkosis, Scuela Crrada, me gustaría saber ¿Qué significaba en esa época ser “subte”?

Daniel F: No nada, lo mismo que ahora, lo que pasa es que no es asunto de pertenecer a un grupo, es básicamente una actitud ante ciertas cosas, no representa un tipo de música, ni siquiera de ideología, es algo más personal, era más que nada una actitud ante las cosas que estaban pasando.

L: Hora Zero, Cloaca son grupo de poetas de los 70's que inician con esta onda criolla de hacer poesía algo cruda, lo que se llama poesía realista, en donde hablan de la realidad social de forma vulgar, ¿ellos influyeron en el surgimiento de la movida subte en los 80's?

D.F: No, no había ninguna conexión con Hora Zero, ni Cloaca, para nada, son coincidencias; lo que pasó fue que aparecieron una serie de muchachos que comenzaron a hacer música, ¡y al contrario! fueron esa gente de Cloaca y esa gente de la intelectualidad los que se sumaron a esa movida que comenzó a hacer masiva.

L: La mayoría de personas vinculan a la gente metida en el mundo de la música con caos, ideas radicales, no límites, ¿Tú estás a favor de legalizar las drogas?

D.F: No, para nada, yo creo que debería haber una política de estado aparte, yo no consumo drogas, no me parece un buen camino, si no hay una cultura de drogas no puede haber un conocimiento consciente de lo que son las drogas. En los 70's la gente deseaba eso, la gente deseaba que las drogas formen parte de una cultura contestataria, pero no llegó a realizarse esa cultura de drogas porque se volvió a una adicción a las drogas; son pocos los que toman el asunto de las drogas como parte de la cultura.

L: Cambiando de tema, ¿Te parece importante que un artista participe en la política local?

D.F: Todos debemos participar de la política.

L: Y así como a Fujimori le dijiste “El asesino de la ilusión,” a Toledo, “Imbécil”, a Alan García ¿q ué le dirías?

D.F: A todos en general, lo importante acá es que todos tengan consciente que tenemos que participar de la política. Cuando yo escribo en las redes sociales, como facebook, mensajes sobre lo que pienso de la política, no falta alguien que dice que no debería meterme, que tengo influencia, que tengo que mantenerme al margen, o sea yo debería privarme de mi derecho a opinar; ¡yo tengo todo el derecho a opinar!. Así como la gente que dice por ahí que yo antes hacía otro tipo de música, ¡yo sería el último que dijera que no opinen!, así tengan una opinión errada, una opinión fuera de lugar, la cosa es participar poner opinar, poder decir alguna sandez, alguna cosa falsa, verdadera, la cosa es opinar y no mantenernos ajenos a las cosas que están pasando en las calles, en la sociedad, nadie debería quedarse callado.

L: Cuando era chibola cantábamos la canción, “Al colegio no voy más”, y siempre nos preguntábamos cuál era el cole al que había ido Daniel F.

D.F: La secundaria la hice en el Hipólito Unánue, una gran unidad escolar.

L: ¿Crees que el colegio y las entidades educativas jerarquizan la educación, crean brechas y le quitan la creatividad a los alumnos?

El problema de la educación no es el colegio, yo la pase muy bien en el colegio, derrepente fueron mis días mas felices,  nunca tuve ningún problema serio en el colegio, bien en todo, el problema es el sistema educativo. No hay un sistema educativo que promueva la imaginación de las personas, que no les recargue de chamba a los chibolitos, las generaciones siguen saliendo y siguen iguales. No es tanto el colegio si no el sistema educativo.

L: ¿Cómo fue tu ingreso a la industria musical?

D.F: A la industria musical… mmm… un día apareció una empresa discográfica, nos dijo para hacer un disco ¡y ya!

L: Leusemia y tú como líder, siempre han mantenido un perfil bajo con respecto al uso de publicidad, sin embargo tienen una gran acogida, ¿no crees que es un buen marketing rechazar el marketing?

D.F: Eso es contradictorio, es absurdo, lo que pasa es que con Leusemia ya tenemos casi treinta años y sería el colmo que ya estemos así treinta años ¡y nadie nos conozca!. Ya seríamos malos, si yo tuviera una banda a la que yo promocione, le haría marketing, no haría lo que hice con Leusemia.

L: ¿Cuál es tu técnica de composición?

D.F: Yo trabajo más como dibujante, yo no sé dibujar, pero trabajo como dibujante; las letras trato de dibujarlas trato de que se vean bien, cuando escribo cuando lo pongo en la computadora trato de que se vea bien. No sé si lo que digo tiene sentido, pero yo soy muy neurótico para la producción de las letras, trato de que se vea bien.

Sobre la música igual, yo soy bastante estricto trato de que la canción tenga un desarrollo y un final, yo escucho muchísimas canciones en las radios que tienen desarrollo pero no tienen final, a mi me gustan que las canciones sean como cuentos y tengan una introducción, personajes y un final.

Yo vengo de la caldera de los setentas, música más por una cuestión de corazón que de una cuestión de gustos; los discos de esa época eran bastantes complejos con una música compleja, muy variada, baladas acústicas, rock sinfónico, por eso  mucha gente no sabe que yo comencé con las cosas acústicas, cosas "lindas", baladas, por eso yo he hecho de todo y tengo gustos muy variados y trato de mantener ese ritmo donde pueda hacer todo tipo de música sin tener que llenarme de ciertas corrientes.

L: Luego de 30 años de carrera artística tu música es escuchada tanto por personas que te conocieron en las década de los 80's hasta por gente de nuestra edad, ¿Por qué crees que tienes tanto público ganado?

D.F: Lo que pasa es que la gente siempre va a esperar alguien que no se venda, a alguien que mantenga cierto nivel de integridad, entonces aparece alguien como yo que no tiene nada que ver con lo comercial, nunca he ido a un programa cómico, nunca he ido a programas de farándula para hablar sobre algo, nunca he ido a mendigar canciones para la radio, nunca he hecho videoclips en mi vida, siempre me he metido en líos con respecto a asuntos políticos. Me interesa la ecología, el animalismo, el respeto a las personas, al arte, yo creo que eso de algún modo le gusta a la gente, de algún modo la gente respeta lo que hago y lo que no hago, y lo valora.

Entrevista a Fernando Galván

Entrevista a Fernando Galván

Por : Angela Galván y Flavia Sánchez

Fernando Galván Zevallos (Lima, 1986), es un nuevo director  y editor  que acaba de egresar de la  Facultad de Comunicaciones de la Pontificia Universidad Católica del Perú. Pese a su juventud  ha logrado incursionar en el mercado audiovisual nacional logrando desarrollar  su carrera en base a la  realización de video clips a varias bandas  nacionales de música juvenil.

Fernando Galván tiene el genio creativo en la sangre, cuenta que desde pequeño ya visualizaba su futuro en el arte de la cinematografía y su meta es ser el primer peruano en ganar un Oscar.

¿Por qué escogió esta carrera?

Porque es una profesión que me gusta, está en constante cambio, es creativa, es algo en lo que nunca me aburriría haciendo. No es una cosa metódica, es una cosa artística

¿Cómo llegaste a la realización de videoclips?

Un amigo mío que también es audiovisual empezó haciendo videoclips por su cuenta y notó que había un mercado para esto. Le llegaban más propuestas para realizar videoclips y vio la necesidad de tener un equipo de realización entonces como él había visto mis trabajos y veía que tenía cierta habilidad, me convocó para trabajar con él en algunos proyectos. Así más adelante cuando empezamos a tener más trabajo decidimos crear una casa realizadora, donde somos socios 3 amigos, la empresa se llama “Pasaje 18”.

¿Cuál es su área de especialización?

Ahora me dedico a la edición pero mi objetivo es dirigir. Ya he dirigido algunos videos y algunos pilotos de televisión.

¿Qué  videos  ha dirigido?

He dirigido cuatro videos desde julio a la fecha. Dirigí un video para la banda chilena Sophia the Ocean, uno para Audiorama, otro para Gzeis y el último fue para las Amigas de Nadie. También dirigí un piloto para la televisión llamado “Instinto”.

¿Y que videoclips ha editado?

Edite los videos para Pulsares, Jhovan, Longplayer, The Muertos, Jules Andrade, Alessa Novelli, Locomotor entre otros.

¿Qué es lo que más le gusta: dirigir o editar? ¿Por qué?

No puedo escoger, porque cada uno tiene sus pros y contras, depende de la situación. 

Hasta el momento ¿cuántos videoclips ha hecho?

Más de 20, entre dirigir, editar y otras cosas

¿Cuánto tiempo le toma hacer un videoclip?

Depende de muchos factores. Normalmente el tiempo de pre producción puede ir de una semana  a más, es en virtud  del video. La producción del video es de 1 a 3 días a lo mucho y la edición normalmente es de dos semanas para tener la versión final.

¿Trabaja  por fines lucrativos o por puro placer?

Trabajo por fines lucrativos porque mi meta es ganarme la vida haciendo lo que realmente me gusta, para eso he estudiado la carrera, pero he hecho trabajos por puro gusto, por puro placer, por amor al arte y lo voy a seguir haciéndolo.

¿De dónde sale su inspiración?

De las cosas que veo, que hago, que me cuentan, todo lo que he experimentado me ha ayudado a crear ideas, como se dice todo ya está hecho lo único es darle tu toque personal a las cosas para hacerla singular, original, propia, algo tuyo.

¿A qué director admira? ¿Por qué?

Tengo varias influencias de directores como Christopher Nolan y Martin Scorcese. Aprecio mucho a ambos  por su facilidad en mostrarte una historia súper complicada y que es capaz de trascender en ti, de que llegues a sentir la historia dentro de tú ser.  De  Tim Burton y Michael Gondry  rescato la creatividad que tienen al presentar la historia y por su estética visual.

Si no hubiese sido “audiovisual”, ¿qué otra cosa le hubiera gustado estudiar?

Gastronomía porque me gusta comer, me gusta preparar cosas, siempre me pareció interesante y también va por el lado creativo porque considero que también es una forma de arte, ser gastrónomo ya llegó a ser una carrera artística porque no cualquiera puede servir un buen plato necesitas creatividad, talento para crear, para mezclar ingredientes, para hacer algo sabroso y visualmente estético.

¿Qué acontecimientos influyeron en su vida para que escogiera la carrera de Comunicación Audiovisual?

Una de las principales razones por las que yo escogí estudiar audiovisual es por mi fanatismo al cine y a todo lo referido al entretenimiento. Eso nace desde que yo era muy chico por que los domingos cuando íbamos a la casa de mi abuelita siempre veíamos “Indiana Jones” o “Volver al futuro” o cualquier película que daban en la televisión. Siempre había una película para ver. Nos juntábamos los primos y los tíos para ver la película. El cine siempre ha estado presente en mi vida como una forma de entretenimiento o como una distracción.

¿Cuál sería el escenario perfecto para una película suya?

Siempre me han gustado los estacionamientos en los sótanos, en Ripley o en Plaza San Miguel he imaginado escenas de acción ahí con Alienígenas o con robots y cosas así.  Sé que sería muy jalado de las pelos hacer una versión  así acá  en el país, pero es lo que me gustaría, siempre que estoy en esos sitos me imagino esas escenas.

¿Cuáles son sus proyectos a futuro?

Ahora tengo trabajo hasta antes de navidad, tenemos varios videoclips  y el proyecto para el próximo año es empezar a hacer ficción, aparte de los videoclip que ya tenemos en agenda.

Video: “Mis bordes en las llamas”.

http://www.youtube.com/watch?v=SNmvwMZj7sg

Entrevista a Carlos Alcántara

Entrevista a Carlos Alcántara sobre su trabajo en los unipersonales
Por: Diego Servelión y Rodrigo Ramos

¿Cómo te animaste a hacer unipersonales?

Yo trabajo desde hace 25 años como actor y siempre he trabajado para otras personas. Hace ya un buen tiempo que me asaltaba la idea de yo querer hacer lo mío. Entonces empecé a juntar en un papel una lista de la cosas que quería hacer. Junté una gran cantidad de cosas y dije: “¡Asu mare!”. Se me ocurrió el titulo al toque. Primero nació el titulo y después el asunto de trabajar solo. Acá ya yo decido todo, en el escenario. No hay cosa que me haga sentir más feliz que hacer lo que estoy haciendo ahora; que nadie me tiene que decir lo que tengo que hacer o cómo lo tengo que hacer. Y me gustó, me funcionó. Entonces decidí hacer un unipersonal, creado por mí, y, de alguna forma, esto tiene mas que media hora al comienzo y después casi tres horas.

¿Cuál fue el primer el obstáculo de pasar de hacer claun con un grupo de gente a arriesgarte a hacer algo solo?

En realidad no hubo ningún obstáculo. Es una mezcla de todo lo que yo he aprendido en claun, actuación; es un poco criollada de barrio. Obstáculo mas bien puede ser que al comienzo no dominaba, no gobernaba mis tiempos. Es cómo tu vas acomodando a un ritmo al público y, “¡pum!”, rematas con el punch. Eso un poco que al comienzo me costaba. Con la experiencia se fue acomodando.

¿Cómo así, entre tantas opciones, decidiste enfocarte en un tema relacionado a tu madre?

Justamente mi mamá aparecía en todas las cosas, en anécdotas; y en las cosas que quería hacer, mi mama estaba presente. En eso, entonces, dije: “pucha, mi mamá esta en casi todas las anécdotas o ella tiene que ver o ella me lo enseño”. Entonces coincidió con que yo dije “asu mare” y dije “claro pues, le hago un homenaje a mi mamá”. Entonces, no esta escrito, pero en el titulo debería decir “Homenaje asu mare”. Por eso lo deje en “Asu mare” como homenaje y como frase popular que todos usamos.

¿Cómo creció tanto “Asu mare”? ¿Cómo haces para cada noche añadir cosas nuevas?

Todas las noches me pasan cosas; a veces, no tan rápidas, que el público no se da cuenta pero yo tiro el anzuelo. Yo le llamo tirar el anzuelo a tirar el gag o la ocurrencia y veo si la gente compra o no. Y hay veces que la gente no compra y yo paso la página rápido, entonces no se dan cuenta que he hecho un chiste malazo. La experiencia te enseña. No sé si han visto pero todo en el escenario es con energía. ¡pam, pam, pam! Cada 5 segundos hay una risa, entonces hay momentos que digo algo nuevo y, si la gente no se ríe, paso rápidamente.

“Asu mare” tiene 3 años. ¿Algún proyecto nuevo que se asome por ahí?

Vamos a seguir el próximo año 24 últimas funciones y estoy con toda la intención de preparar un siguiente espectáculo que yo no le pondría el título de stand up comedy porque es estar parado con un micro contando cosas cotidianas. Tampoco es teatro, es distinto; esto es un espectáculo, aquí hay de todo. Esta diferenciado cada rubro. Yo hago stand comedy cuando cuento una anécdota pero con el micro de bincha para poder expresar gráficamente con el cuerpo, con la cara, con la voz, con un sonido. Y el siguiente tema va a ser un poco de pareja, sobre el amor. Hay bastante material, no solo el mío. Yo recomendaría que siempre tú tienes que estar dentro de lo que tú estas contando. Tú tienes que estar dentro de ese grupo al que te diriges para que sientan identificación. Por ejemplo, yo hablo de mi nariz en algún momento, mucha gente tiene la nariz grande, y, entonces, todos “jajaja” porque están pensando: Sí, yo también en algún momento me di cuenta que era narizón.

¿Algún mensaje a los que quieran meterse en el mundo del stand up comedy y de los unipersonales? ¿Qué les recomendarías?

No pretendan nada; si tú sales con una pretensión y no funciona rápidamente viene la frustración. Entonces sal al escenario sin pretender nada, hacer lo que tienes que hacer y vas a ir descubriendo si lo que haces está bien o está mal; no necesariamente en la primera vez. Eso es lo que yo recomendaría porque yo he ido a ver primeras funciones de chicos y había uno que tenia mucha expectativa y me dijo: “lo mío esta increíble, no sabes”, y cuando salió no se río nadie porque el tenía una ansiedad de hacer reír a la gente y si la gente no se engancha contigo vas a parecer un loco en el escenario, la gente no entiende. Todo tiene un ritmo y una fluidez. Has como el agua, tu echa un balde de agua en la tierra y vas a ver que el agua no se va por cualquier lado sino que encuentra un camino más fácil para fluir. Eso es lo que se tiene que hacer en el escenario; sube sin ninguna pretensión y deja que las cosas pasen. No pases por encima de la gente. Esta fórmula no la he aprendido ni la he escuchado. Soy autodidacta. Pero, de hecho que funciona y lo he comprobado. 

Entrevista a Diego Ugaz

Entrevista a Diego Ugaz. 

http://diegougaz.blogspot.com/

Por Iveth López y Kim Durieux

Artista peruano contemporáneo nacido en 1982. Es multifacético pues se desempeña como pintor, fotógrafo, músico, compositor y conductor.  En la actualidad estudia Publicidad en la Universidad Alas Peruanas y conduce el programa “Garaje 51”.

Empezó a pintar desde el colegio y estudió dos años en Bellas Artes pero abandonó sus estudios pues cree que para ser un artista no es necesario que te enseñen sino que uno mismo tiene que descubrir las formas de pintar y tener una propia corriente. Se considera autodidacta y afirma que “sin creatividad, nadie será un buen artista”.

Lo que le inspiró para involucrarse más con el arte fue cuando le otorgaron el primer premio de la promoción en su curso de arte y por eso siguió el Bachillerato Internacional de Arte. Actualmente tiene 75 pinturas, de las cuales 12 ya han sido vendidas.

A pesar de ello, no tiene fines lucrativos con su arte, cree que no es “puro”. Tampoco hace publicidad porque eso no lo hace sentir un verdadero artista. Considera que su arte es para él, que es un artista “underground”. Sin embargo, creó una página web, por amigos que lo sugirieron, pero es un 5% de todo que hace en los distintos tipos de arte. Diego afirma que si la persona quiere conocer su arte, tiene que acercarse a él. 

          1.     ¿Con qué corriente artística te sientes identificado?

Me siento identificado con la abstracción y he leído acerca del surrealismo, dadaísmo y cubismo. Todavía creo que uno para poder ser un verdadero artista, la originalidad es lo más importante. Si no eres original, no puedes llamarte un artista; hay que crear tu propio sistema, método y conceptos. 

             2.     ¿Qué artista es tu fuente de inspiración?

Pablo Picasso fue una gran inspiración, aunque no tengo nada que ver con su pintura. También Roy Lichtenstein y Andy Warhol; los padres del arte pop. Más que todo Warhol, porque él también era publicista y se desempeñó en la pintura y fotografía. Y acerca de la música, los artistas que son mi mayor inspiración para pintar son The Velvet Underground, The Doors, David Bowie, la música clásica y últimamente el rock nacional como Leucemia y la Ira de dios.

3.     ¿Consideras que tienes influencia de otros artistas? ¿cuáles?

Me guio mucho por Robinson, quien tuvo una técnica abstracta lineal en su última exposición. Además, admiro mucho a artistas peruanos, por ejemplo Giancarlo Vito, quien combina mucho  el claroscuro, pinturas fotográficas y el simbolismo.

4.     ¿Cuál consideras es tu obra más importante?

 Considero todas mis obras importantes pero con la que más me identifico es “Lactancia”, creada en el año 2006. La obra fue terminada en un día. Está hecha en cartulina.  Es una mujer un poco obesa, una virgen o monja dándole de lactar a un niño. Es la cara principal de mi página web y la recorté porque me gusta mucho esa cara. Quiero que me represente, que sea mi símbolo.

5.     ¿Con qué tipo de arte que practicas te sientes mejor expresado y cuál es la técnica y los colores que más usas?

 Me siento mejor expresado con la pintura. Mi técnica es 100% abstracta. Siempre he combinado el color negro y el color rojo pero últimamente también azul y rojo. Uso también el acrílico porque se seca más rápido, entonces eso me hace pintar más rápido. Normalmente lo termino en un día, porque no me gusta dejar la obra inconclusa o pintarla al día siguiente.  Uso pinceladas con poca agua y los  detalles los hago sin pincel pero con el chisguete. Utilizo diferentes materiales como cartulinas, papel, madera, cartón y lienzo. Casi siempre uso formatos grandes, eso me desenvuelve a ser un artista con términos de acción. No lo considero como action painting, simplemente no me gusta pintar sentado y de una forma monótona. Mis musas son las mujeres obesas, porque le brindan más armonía a la obra. De repente es algo subconsciente con lo maternal.

6.     ¿Qué conceptos trabajas en tu arte?

Trabajo con los conceptos de muerte y soledad, nada de sonrisas ni felicidad. Sobre todo en la música aunque todavía no he sacado disco pero lo haré algún día para quedar inmortalizado. Tengo canciones bilingües y la canción en la que reflejo más estos temas es  “Midnight crush”.

7.     ¿Cuándo sueles tener épocas de creación?

Cuando escucho música me siento inspirado. Pinto parado con música en alto volumen, siempre con cigarros y un par de tragos, la mayoría de veces con whisky o tequila, así me siento liberado. La liberación es lo más importante.

8.     ¿Has tenido épocas  de bloqueo?

Sí, cuando me mudé de Lima a Punta Hermosa, no podía pintar y comencé a escribir poesía, siempre tratando los temas de soledad y muerte. No podía inspirarme en el taller nuevo pero poco a poco empecé a pintar de nuevo, la música siempre ayuda mucho. También tengo bocetos y comienzo a detallarlos en el lienzo cuando no me siento inspirado.

9.     ¿Algún suceso en tu vida ha influenciado en tu vida artística?

Mis viajes me han influenciado mucho. He viajado a Egipto, Hong Kong, Hawái y he vivido 4 años y medio en Tokio. He experimentado un shock cultural y eso influye mucho en mi arte. También las películas en blanco y negro, las películas de Fellini y Oliver Stone. Aunque no es un suceso, la filosofía de Friedrich Nietzsche –  “la vida sin música seria un error” – me ha influenciado también.

10.  ¿Cómo decides incursionar en el ámbito de la fotografía?

Porque quiero trabajar los temas de la vida cotidiana y la muerte combinada con la sangre. Son temas que creo se verían mejor expresados en la fotografía. Me interesa mucho trabajar en blanco y negro, porque se puede contrastar con las luces. La oscuridad es muy importante; se puede encontrar un montón de gamas interesantes entre el negro y el blanco.

11.  ¿Cuál es el propósito de tu programa “Garaje 51”?

Conduzco el programa hace 2 años y 3 meses. El programa está dirigido al público en general. Se llama Garaje porque todo se comienza con la música de garaje y el “Garage” que surgió a principio de los años 60. El 51, porque sale en el canal 51, UAPTV. Es un programa donde entrevisto a artistas nacionales y creo que es bueno que nuestra sociedad esté involucrada con ellos. Hemos entrevistado a músicos como Amen,  Dolores Delirio y Uchpa. También ayudamos a músicos que no son conocidos a que surjan, les podemos ayudar a conseguir un productor para sacar un disco. No somos cerrados, el  propósito del programa es difundir el rock nacional. También hemos entrevistado a rockólogos, por ejemplo a Carlos Torres Rotondo, quien escribió un libro sobre como llegó el rock al Perú. Además, da espacio a artistas que tocan instrumentos raros como el Theremín.

12.  ¿Cuál es tu filosofía  de vida o punto de vista sobre el arte en general?

El mensaje, o la filosofía que da mi arte es fuerza, la muerte, la filosofía de pasar de un lado a otro (vida a muerte) incluso creo que la muerte puede brindarnos una cierta excitación. Mi filosofía de vida es que hay que tener libertad al 100%, hay que aprovechar el momento “Carpe Diem”. Además para mí,  sin la música no hay vida.

13.  ¿Cuál es tu punto de vista sobre nuestra sociedad actual?

Mi punto de vista sobre nuestra sociedad actual es que todavía hay mucha represión para los artistas, especialmente la política. Me siento reprimido porque si hago un cuadro para presentar una manifestación me puede incluso atacar la policía. Todavía queda un largo proceso para que todo cambie como ya ha ocurrido en otros países.